Privilégiant une lecture immersive, l'ouvrage mêle images fixes et animées. En écho avec ces images, des créations d'artistes contemporains, réalisées dans et à partir du jardin de Boulogne, prolongent et actualisent les innovations qui, tant formelles que techniques et esthétiques, virent le jour aux jardins d'Albert Kahn.
Philanthrope, globe-trotteur, collectionneur, Albert Kahn était également un grand amateur de jardins. Ses deux résidences, à Boulogne - aujourd'hui devenue musée -, et à Cap-Martin, sur la Riviera, se dressaient au milieu de jardins inspirés de ses lointains voyages. Sapins, fougères arborescentes, roseraies et vergers, essences venues de loin comme les agaves, les ginkgos, les aloès, les cèdres de l'Atlas, les épicéas du Colorado ou encore les bouleaux de l'Himalaya, se déployaient parmi les buissons de rhododendrons ou de jacinthes des bois : au-delà de leur magie horticole, les jardins d'Albert Kahn furent aussi un lieu d'expériences photographiques et cinématographiques.
Durant les trente premières années du xxe siècle, au fil des saisons et des années et en parallèle de son projet des Archives de la Planète, Albert Kahn fait produire des milliers d'images en couleur sur verre, véritables " natures vivantes ", de ses deux jardins de Boulogne et de Cap Martin. Il ne s'agit pas d'une approche botanique descriptive, ni de rassembler des études à destination des peintres comme cela se faisait beaucoup à l'époque. Les opérateurs se saisissent de la couleur pour documenter les jardins à la fois dans l'espace et dans le temps et ce, sur plusieurs années. Cette approche est totalement novatrice : les images réalisées interrogent la puissance du végétal. Fleurs et arbres se font sujets photographiques. Autochromes, plaques stéréoscopiques, mais également filmcolor dévoilent une collection unique au monde et méconnue. À travers le prisme du végétal sont mises en perspective les recherches sur la captation des couleurs du réel (exploration des possibles techniques de l'autochrome), ainsi que les études scientifiques sur la neurobiologie végétale, l'intelligence des plantes, leur mémoire, leurs moyens de communication et leur vie interne (éclosion, épanouissement, caducité). Produits dans un laboratoire situé au coeur du jardin de Boulogne par un pionnier du cinéma scientifique, Jean Comandon, les films La Croissance des végétaux ou encore Épanouissement de quelques fleurs plongent le lecteur dans le merveilleux. Science, cinéma, couleur et poésie se croisent dans un contexte qui voit rayonner la pratique de l'horticulture et le goût pour le jardinage.
Ils s'appellent Walker Evans, Dorothea Lange, Henri Cartier-Bresson, Philippe Halsman, Robert Mapplethorpe, Seydou Keyta ou Raymond Depardon. Ils ont conclu le xixe siècle et ont ouvert le xxe en en fixant les couleurs désormais immuables. En saisissant un instant, un moment, un regard, ils ont bouleversé l'art photographique et changé à jamais la vision portée sur le monde et les choses. Leurs clichés, témoins de l'Histoire, des révolutions sociales, de la misère, de la souffrance ou des drames humains, mais aussi de la beauté des êtres et des éléments, sont devenus des icônes.
Retrouvez pour chacun des grands photographes, de Man Ray à Nan Goldin, leur parcours personnel et artistique ainsi que des explications sur une de leurs oeuvres les plus emblématiques et les techniques qu'ils utilisaient. Découvrez leurs combats, leurs audaces, et l'oeil neuf qu'ils posèrent sur les hommes et le paysage pour en renouveler à jamais les images.
Luce Lebart est historienne de la photographie et commissaire d'exposition, auteur de nombreux livres et articles parmi lesquels Les Silences d'Atget et Lady Liberty. Directrice depuis 2016 de l'Institut canadien de la Photographie du Musée des Beaux-Arts du Canada, elle dirigeait auparavant les collections de la Société française de photographie à Paris.
Comment ne pas être fasciné par la vie et l'oeuvre d'Albert Kahn (1860-1940), qui, au tournant du XX? siècle, voua sa fortune à un projet humaniste fait de paix et d'entente entre les peuples¿ ? Amoureux de la diversité des cultures comme de la nature, il se saisit des inventions techniques du moment - le cinématographe, la photographie en relief et le procédé autochrome - pour dresser un inventaire en images d'un monde alors en pleine transformation : les Archives de la Planète. Ces images remarquables, conservées au musée départemental Albert-Kahn à Boulogne-Billancourt, forment une collection unique au monde. Le passé rejaillit sous nos yeux dans les couleurs lumineuses des autochromes et le mouvement des films, tandis que le jardin aux multiples espèces offre un écrin végétal exceptionnel pour partager ce rêve d'harmonie.
Au fil du xxe siècle, poètes, écrivains, artistes, photographes, collectionneurs, conservateurs et historiens ont contribué à inscrire l'oeuvre d'Eugène Atget (1857-1927) dans l'histoire de l'art. Photographe des petits métiers, des devantures de boutiques, des cours d'immeubles, Atget ne s'est jamais prononcé ou engagé dans aucun mouvement artistique, se retranchant derrière une pratique documentaire.
Alors qu'il a laissé au monde des milliers d'images, il n'a livré aucun écrit sur sa conception de la photographie, son esthétique, son passé ou son avenir.
Ce silence a paradoxalement généré une immense productivité.
Comme annonciateur du surréalisme : il est découvert par Man Ray et dévoilé par Berenice Abbott.
Comme précurseur de la nouvelle objectivité et de la photographie documentaire, assimilé aux avant-gardes, Atget fait parler et alimente de nombreuses questions :
Art versus artisanat, art versus document, oeuvre versus archive. Son oeuvre pose magistralement la question de la notion d'auteur.
Sont réunis pour la première fois une trentaine de textes passionnants, qui tous participent de la reconnaissance atypique parce que posthume du « photographe des photographes ».
"Longtemps resté à l'ombre des pyramides, le succès iconographique du Sphinx est encouragé par le dessin et la gravure : il prend toute son ampleur avec la photographie. La collection de Wouter Deruytter décline les occurrences imagées de cette sculpture solitaire et monolithique. C'est ainsi que le Sphinx se déploie sous des ciels d'albumine, de collodion ou de gélatine. Témoin de la naissance de l'archéologie et de l'essor du tourisme, le Sphinx assiste, immobile, au défilé des voyageurs. Les photographies monumentales de Wouter offrent du Sphinx une vision inédite. Explorant les abords et l'intérieur du géant à corps de lion, le photographe nous invite au coeur de la plus énigmatique des sculptures. Ce travail et cette collection nous disent combien la conscience patrimoniale se déplace d'objets en objets. Après avoir accompagné et documenté l'admiration pour le Sphinx, c'est au tour de la photographie elle-même d'être conservée et offerte à la contemplation. " Luce Lebart commissaire de l'exposition
A magnificently illustrated showcase of the work of 300 women photographers from all over the world, from the invention of the medium to the dawn of the 21st century.
As in many fields of art history, the work of women photographers has often been overlooked, and few of their names are now widely recognized. However, women were closely involved in all major photography movements of the 19th and 20th centuries, and have used the camera as an extraordinary tool for emancipation and experimentation. These are artists who never stopped documenting, questioning and transforming the world, breaking down social boundaries, challenging gender roles and expressing their imagination and sexuality.
To capture the diversity of this global body of work, Luce Lebart and Marie Robert have invited 160 international women writers to contribute to this volume, which is a bold and beautifully illustrated manifesto as well as an invaluable work of reference.
IMAGES "Les moisissures sont les ennemies numéro 1 de l'univers de l'archive.
'Facteurs de risques", elles sont des "agents de dégradations" contre lesquelles la lutte est de mise. Dans ce contexte, leur potentiel créatif est injustement négligé. Il est pourtant exploité depuis l'aube des temps par l'homme qui utilise le pouvoir transformant des micro-organismes pour faire son pain quotidien, son vin, sa bière et tous ses fromages.
Dans un texte de 1856 voué à encourager les rechercher sur la stabilité des procédés photographiques, le chimiste Victor Regnault, premier président de la Société française de photographie, insistait sur le fait que seul le temps pourrait juger de la permanence de tel ou tel procédé photographique. De la même façon, c'est avec le temps que se déploie et prend forme l'ouvrage des moisissures.
Merveilles de l'oubli, succès de la négligence et du désintérêt, ces images, abîmées par une inondation ancienne, ont été privées de la lumière du jour pendant des années. La solitude de leur confinement, ajouté au ressources organiques inhérentes à leur procédé (gélatine, fécule de pomme de terre), a fournit un terreau idéal à une prolifération créative aléatoire. Aujourd'hui offertes à la contemplation, ces images bouleversées nous rappellent combien les qualités esthétiques d'une photographie sont décidément indépendante d'une volonté artistique."
Le projet Crash Box relève dune expérimentation vidéo qui consiste à filmer des bâtiments démolis par foudroyage intégral depuis un point de vue intérieur, au plus proche des charges explosives. Les images ainsi capturées manifestent, dans le presque rien à voir de leffondrement, léchec du projet social porté par cette architecture de la reconstruction. Linvention dune technique de prise de vue spécifique à ce contexte a priori non investissable par le regard, a, de fait, engendré des formes plastiques inattendues, fondamentalement contemporaines. Les vidéos Crash box ont lambition de sinscrire dans la lignée des premiers films cinématographiques expérimentaux. On pense au film LArrivée dun train en gare de La Ciotat de Louis Lumière, ou comment le film du quotidien ordinaire, prétexte à exploiter un nouvel instrument optique, transforme le « rien à voir » en un moment de saisissement collectif.
Une fabuleuse somme collective, un livre manifeste, un ouvrage de référence : telle est l'ambition de cet ouvrage co-construit par 160 autrices du monde entier qui présentent 300 femmes photographes, de l'invention du médium aux années 2000. Ainsi les portraits de chaque photographe ont été rédigés par des femmes de toute nationalité pour se prémunir de l'écueil d'un regard "occidentalo-centré". Les séquences de portraits alternent avec des portfolios qui font dialoguer les oeuvres entre elles.
Réalisé avec Luce Lebart et Archive of Modern Conflict, ce petit accompagnant une exposition au centre d'art Gwinzegal à Guingamp présente une collection d'anciennes cartes postales américaines. On y constate que bien loin de notre usage européen des cartes postales (donner des nouvelles aux familles pendant les vacances), beaucoup servaient en fait à louer les mérites des avancées des pionniers américains : constructions en cours, hommes au travail chasse et pêche, cette sélection documente un pan assez vernaculaire de l'histoire américaine.
Avec Gold and Silver, l'historienne de la photo Luce Lebart offre une relecture contemporaine d'un fonds d'archives inédit sur la ruée vers l'or en Californie, conservé au Musée des Beaux-Arts du Canada. Le photographe de l'époque est intervenu à posteriori sur les clichés tirés sur métal, agrémentant les ruisseaux de poussière d'or ou rehaussant les tamis de chercheurs d'or de pépites. Le design du livre vient souligner les liens entre l'or du grand Ouest et l'argent, deux métaux utilisés dans la photographie.
Des milliers de photographies et de films furent produits en France, entre 1915 et 1938, dans le cadre d'une politique nationale d'encouragement à la recherche scientifique et industrielle. Ces images méconnues sont les témoins visuels de vingt années de recherches et d'inventions qui, d'abord ancrées dans la guerre et la défense nationale, s'orientent ensuite vers la vie civile et domestique. Ces archives argentiques dessinent les contours d'une histoire de l'innovation. Dans une exposition présentée aux Rencontres d'Arles à l'été 2019, la commissaire Luce Lebart raconte cette histoire en construction, celle de l'institutionnalisation de la recherche.
Le vivant, la nature, l'eau, l'air, la lumière, le feu, quelles percep-tions avons-nous de notre environnement, quel est notre rapport au monde sensible ? Tout est métamorphoses, impermanence. La photographe américaine Terri Weifenbach observe avec acuité les changements perpétuels d'une nature que bien souvent nous négligeons : son objectif capte les infimes variations de lumière, d'humidité, de touffeur. Les nuages s'épaississent, se teintent de nuances mordorées, le monde végétal bruisse, chargé d'humidité, la présence animale se révèle au creux d'un bois : la nature chez Terri Weifenbach se perçoit à la dérobée. Réalisées dans la forêt de Fontainebleau, au jardin du Muséum national d'histoire naturelle de Paris, au Japon dans les parcs de Nara et de Mishima, dans les Rocheuses et vastes plaines du Montana et du Wyoming ou encore dans les marais salants de Saint-Catherine Island, en Géorgie, ses images donnent à voir une nature immanente, qui laisse percer ses mystères à condition de l'approcher avec attention et curiosité. Le geste photographique se fait perception.
Titulaire d'une bourse de recherche, qui lui a ouvert les portes du prestigieux laboratoire américain de l'ARM (Atmospheric Radiation Measurement Research) où l'on mesure les particules présentes dans l'air, la dimension des nuages, les fractions de ciel couvertes de cirrus, la hauteur du plafond nuageux, le rayonnement solaire à la surface de la Terre ou encore la densité des pluies, Terri Weifenbach oeuvre en contrepoint aux instruments scientifiques qui mesurent l'immatériel. Ses images nous immergent dans une nature fragile et mystérieuse, où seule l'expérience sensorielle et notre perception visuelle et intuitive nous donnent accès au réel.
Défi colossal scellant l'union de l'art et de la technique, emblème de l'Amérique, symbole de liberté et de démocratie, la statue de la liberté est l'un des monuments le plus photographié au monde. Pour assurer le suivi de sa construction qui se déroule à Paris, son créateur, le Français Auguste Bartholdi, fait appel à l'expertise de photographes professionnels. C'est ainsi qu'il commande un panorama géant de la ville de New York qui l'aide à figurer les projets d'implantation de sa statue. Dessinant sur les images, les retouchant, il se livre aussi à des photomontages.Outils de travail, les photographies sont aussi et surtout un formidable outil de communication. Car le financement du colosse, cadeau de la France à l'Amérique, connait des aléas que seules des actions innovantes de publicité vont aider à solutionner. L'image, et en particulier la photographie, jouent ici un rôle inédit.Au-delà de leur fonction, ces images oscillent entre réalité et fiction. Elles racontent vingt années d'un projet démesuré et utopique marqué par les plus grands enjeux politiques, sociaux, architecturaux et esthétiques de son temps.
Le livre Nuage se déploie autour d'un album de centaines
de photographies de nuages réalisées entre le XIXe et le
XXe siècle en différents points du globe.
Redécouvert récemment, cet album bouleversant avait été constitué à
plusieurs mains par des générations successives de météorologistes d'horizons divers : photographes artistes, amateurs ou encore pilotes, tous autant attentifs et fascinés par ces météores.
Au fil des pages et des nuages, cet album agrège un foisonnement
d'autres images qui sont elles-mêmes rassemblées en parties distinctes. Conçus comme des chapitres, ils racontent autant de petites histoires - aventures photographiques et épopée nuageuses - qui sont
toutes constitutives de l'histoire du ciel comme de celle de la photographie et en tous les cas de leur rencontre fusionnelle. Vingt-deux recueils d'images sont ainsi introduits par autant de textes savoureux et richement illustrés depuis " Attraper les nuages " qui rend compte de l'inventivité déployée par les photographes pour enregistrer des nuages qui s'avéraient impossible à photographier
au début de la photographie, jusqu'au dernier chapitre " A Cloud a Day " qui témoigne de la constante " manie des nuages " à travers les activités de la Cloud Appreciation Society, alors même que se posent avec ardeur la question du statut juridique des nuages et celle
de leur protection.
Mené sous la direction de l'historienne de la photographie Luce Lebart, Nuage fait voyager le lecteur dans une iconographie et des récits tantôt vernaculaires et inédits et tantôt iconiques et célébrés, depuis Piero de la Francesca jusqu'à l'imagerie satellitaire en passant par John Constable, Alfred Stieglitz, Jafar Panahi et de nombreux anonymes et auteurs restés dans l'ombre. À la diversité de producteurs s'ajoute celle des typologies de nuages : nuages artificiels, nuages d'explosion, de
fumées, nuages atomiques ou de condensation, tous désormais intégrés à l'Atlas mondial des nuages. C'est la beauté de ces images de nuages et la singularité de ces pratiques passionnelles de photographie du ciel que ce livre explore, raconte et célèbre.
Les images proviennent pour l'essentielle de la collection privée Archive of Modern Conflict et, dans une moindre mesure, de fond institutionnels. Nuages est assorti de textes de Luce Lebart.
Le livre Nuage se déploie autour d'un album de centaines
de photographies de nuages réalisées entre le XIXe et le
XXe siècle en différents points du globe.
Redécouvert récemment, cet album bouleversant avait été constitué à
plusieurs mains par des générations successives de météorologistes d'horizons divers : photographes artistes, amateurs ou encore pilotes, tous autant attentifs et fascinés par ces météores.
Au fil des pages et des nuages, cet album agrège un foisonnement
d'autres images qui sont elles-mêmes rassemblées en parties distinctes. Conçus comme des chapitres, ils racontent autant de petites histoires - aventures photographiques et épopée nuageuses - qui sont
toutes constitutives de l'histoire du ciel comme de celle de la photographie et en tous les cas de leur rencontre fusionnelle. Vingt-deux recueils d'images sont ainsi introduits par autant de textes savoureux et richement illustrés depuis " Attraper les nuages " qui rend compte de l'inventivité déployée par les photographes pour enregistrer des nuages qui s'avéraient impossible à photographier
au début de la photographie, jusqu'au dernier chapitre " A Cloud a Day " qui témoigne de la constante " manie des nuages " à travers les activités de la Cloud Appreciation Society, alors même que se posent avec ardeur la question du statut juridique des nuages et celle de leur protection.
Mené sous la direction de l'historienne de la photographie Luce Lebart, Nuage fait voyager le lecteur dans une iconographie et des récits tantôt vernaculaires et inédits et tantôt iconiques et célébrés, depuis Piero de la Francesca jusqu'à l'imagerie satellitaire en passant par John Constable, Alfred Stieglitz, Jafar Panahi et de nombreux anonymes et auteurs restés dans l'ombre. À la diversité de producteurs s'ajoute celle des typologies de nuages : nuages artificiels, nuages d'explosion, de
fumées, nuages atomiques ou de condensation, tous désormais intégrés à l'Atlas mondial des nuages. C'est la beauté de ces images de nuages et la singularité de ces pratiques passionnelles de photographie du ciel que ce livre explore, raconte et célèbre.
Les images proviennent pour l'essentielle de la collection privée Archive of Modern Conflict et, dans une moindre mesure, de fond institutionnels. Nuages est assorti de textes de Luce Lebart.
