Sugimoto nous invite à un voyage qui dépasse le sujet et englobe une réflexion sur ce qu'est l'architecture même dans la vie des hommes, mais aussi sur le rôle de la photographie face au bâtiment. Toujours dans sa façon d'élever sa pensée avec son art, il explique dans son texte « Au départ de sa réflexion, un architecte pense son bâtiment comme idéal. Au fur et à mesure du projet, à force de plans et de dessins, son idéal évolue en fonction des impératifs liés au budget, aux matériaux, à la faisabilité. Au fil du chantier, l'idée d'origine finit par se disloquer jusqu'à son effacement. Un édifice est le fruit d'incessantes compromissions entre l'idéal rêvé et la réalité. Refuser de se plier à ces compromissions est la signature des plus grands architectes. » La série nous donne à voir des constructions emblématiques et connues de tous avec une esthétique inédites qui les fait devenir des oeuvres picturales à part entière.
Regarder une statue de Bouddha, quel genre d'expérience cela peut-il représenter aujourd'hui, dans un monde qui a presque complètement perdu la foi ? Telle est la problématique qu'aborde Hiroshi Sugimoto dans cet ouvrage en faisant dialoguer ses photographies, des oeuvres de sa collection personnelle et ses textes. Première monographie importante en français sur l'artiste, elle révèle un aspect essentiel de son travail s'inspirant des civilisations anciennes et de leur spiritualité.
Avec Accelerated Buddha, Hiroshi Sugimoto prolonge sa réflexion amorcée dans son précédent ouvrage History of History en s'attachant plus particulièrement à la naissance et au déclin du bouddhisme au Japon. Les images vidéos des mille statues de Boddhisattva du Sanjûsangendô, un important temple de Kyoto construit au XIIIe siècle, période de déclin du bouddhisme, qu'il présente en accéléré jusqu'à leur disparition font référence au constat de l'artiste que "toutes les civilisations s'accélèrent à mesure qu'elles approchent du déclin" et que notre société "continue à se précipiter vers une disparition programmée".
Hiroshi Sugimoto entame sa première série photographique en 1974 en découvrant les dioramas du Musée américain d'histoire naturelle à New York. Frappé par l'aspect artificiel de la mise en scène, il se rend compte que l'illusion fonctionnerait mieux à travers l'oeil d'un appareil photographique supposé toujours montrer la réalité brute. Cet ouvrage rassemble pour la première fois l'ensemble de cette oeuvre fondatrice qui lança la carrière de Sugimoto, enrichi d'une dizaine de photographies récentes (2012).
L'idée paradoxale que les choses les plus anciennes sont les plus récentes sert de base à toute l'oeuvre de l'artiste et photographe japonais contemporain Hiroshi Sugimoto. En 2008, Sugimoto et l'architecte Tomoyuki Sakakida ont fondé le New Material Research Laboratory, un cabinet d'architectes dont l'objectif est de repenser l'utilisation des matériaux anciens qui nous ont été transmis depuis l'Antiquité, le Moyen Âge et l'époque moderne. Old Is New plonge dans l'art et l'architecture, ainsi que dans la philosophie archéologique et la pratique contemporaine du New Material Research Laboratory. Richement illustré, le livre présente le choix des matériaux pour chaque projet. Sugimoto et Sakakida, discutant de leur pratique et de leur approche, ont rédigé les principaux textes de ce volume. Le livre comprend également un index annoté des matériaux et des techniques japonaises classiques avec des informations issues des recherches du laboratoire.
Napoléon, Spartacus, Oscar Wilde ou encore Rembrandt... Les portraits de personnages historiques de Hiroshi Sugimoto semblent avoir traversé le temps pour parvenir jusqu'à nous. Il s'agit en réalité de figures de cire, qu'un sculpteur a conçu d'après des peintures et sculptures d'époque. Cette double interprétation questionne le concept de représentation. Tout comme dans Dioramas, Theaters ou Seescapes, le photographe joue avec la notion d'Histoire et du passage du temps.
Organisée par la Fondation Cartier pour l'art contemporain, l'exposition Etant donné : Le Grand Verre présente la dernière série de photographies de Hiroshi Sugimoto, Conceptual Forms, réalisée avec le concours du musée de l'université de Tokyo.
Known for his long-exposure photographic series of empty movie theaters and driveins, seascapes, museum dioramas, and waxworks, Hiroshi Sugimoto has been turning his camera on international icons of twentieth-century architecture since 1997. His deliberately blurred and seemingly timeless photographs depict structures as diverse as the Empire State Building, Le Corbusier''s Chapel de Nutre Dame du Haut, and Tadao Ando''s Church of Light in Osaka. The resulting black-and-white photographs, shot distinctly out of focus and from unusual angles, are not attempts at documentation but rather evocation--meant to isolate the buildings from their contexts, allowing them to exist as dreamlike, uninhabited ideals. Among the other buildings represented in the series are Philippe Starck''s Asahi Breweries, Fumihiko Maki''s Fujisawa Municipal Gymnasium, the United Nations Building, the Chrysler Building, Giuseppi Terragni''s Santelia Monument Como, the World Trade Center, Mies van der Rohe''s Seagram Building, Antonio Gaud''''s Casa Batll* II, the 1922 Schindler House, and buildings by Frank Gehry, Frank Lloyd Wright, and many others in Europe, North America and Asia.
L'eau et l'air, ces substances primordiales qui rendent la vie possible sur Terre constituent le sujet de la série des Seascapes [paysages marins] de Hiroshi Sugimoto. Depuis trente ans, Sugimoto parcourt le monde en photographiant les mers. L'ensemble de son oeuvre est une longue méditation sur le passage du temps et sur l'histoire naturelle de la Terre. Avec cette série, Sugimoto, qui appelle la photographie « la fossilisation du temps », saisi un moment spécifique tout en évoquant un sentiment d'intemporalité.
Ce volume, réimpression augmentée d'une dizaine d'images, présente la série complète qui contient plus de 200 Seascapes. Les images sont toutes de format identique, précisément divisées par la ligne d'horizon, bien que parfois la mer et le ciel se fondent en une seule entité. Chaque photographie saisit un moment où la mer est calme, presque étale.
Un texte de Munesuke Mita, professeur de sociologie à l'Université de Tokyo, examine l'art contemporain à l'aune de la sociologie reliant l'histoire récente de l'art aux prévisions mathématiques de croissance démographique et établit un lien entre l'oeuvre de Sugimoto.
Réédition de cette monographie définitive de l'oeuvre du photographe japonais Hiroshi Sugimoto. L'ouvrage mis à jour comprend des clichés de deux nouvelles séries « Lightning Fields » (2006) et « Photogenic Drawings » (2007).
« Aux débuts du cinéma, on montrait dix images par seconde, à l'époque du muet on est passé à seize puis, quand le cinéma est devenu parlant, à vingt-quatre, ce qui est encore le cas aujourd'hui. Regarder un film de deux heures équivaut à regarder défiler les images rémanentes de 172 800 photos. Accumulées en grande quantité, les images mortes paraissent vivantes. Depuis l'Égypte ancienne, ou plutôt depuis l'aube des civilisations, la possibilité d'une résurrection a été l'une des préoccupations essentielles de l'humanité. L'idée m'est venue de photographier ces images qui semblaient animées par la vie, pour les figer une nouvelle fois. Je me suis senti à ce moment-là comme investi d'une mission : ces fantômes rendus à la vie par une accumulation de photographies, il fallait les mettre à nouveau sous clé par le biais de la photographie. Perdu dans ma rêverie, je me suis vu prendre 170 000 photos en une seule prise de vue. L'image qui en résulta était un écran blanc, brillant dans l'obscurité d'une salle de cinéma. Et cette lumière étincelante produite par une surexposition répétée 170 000 fois, se manifestait sous la forme d'une émanation divine. Une présence surnaturelle que l'on aurait pu appeler "la Mort surexposée". » (Extrait du texte de Hiroshi Sugimoto)
Catalogue d'une exposition mettant en évidence la proximité des recherches du sculpteur suisse et du photographe japonais à travers une reconstitution d'une scène de théâtre nô, entre apparitions et réalité.
Shiro Tsujimura's approach to ceramics is deeply linked to his training as a monk and his radical independence. Transcending traditional techniques, he infuses his practice with a sense of freedom, playfulness, authenticity, and self-confidence that results in decidedly unique works. Each creation is soulful and pure. The beauty of his art exists in its vitality, embodying the passing of time and notions of perfection and imperfection. Axel Vervoordt's meeting with the maverick potter was a revelation. He was moved by the serene and tremendous power of Tsujimura's works, which are simultaneously contemporary yet entirely timeless. Vervoordt was drawn to Tsujimura's universal art, the raw yet refined atmosphere of his home and studio, the noble qualities of his family and the surrounding nature-each element is an echo of the art and of the artist himself. Longtime friend, architect, and artist Hiroshi Sugimoto and Guggenheim Senior Curator of Asian Art Alexandra Munroe provide rare insight into the magnetic ceramicist through their highly personal and revelatory essays, which accompany striking photography by Laziz Hamani, Shouya Grigg, and others.
