Documenting the great, late, neglected work of a modernist master
The French avant-garde painter Francis Picabia (1879-1953) was one of the great innovators of 20th-century modernism, with a career defined by his restless, visionary approach. In 1945 he settled permanently in Paris and in his final years returned to abstract painting. This book delves into Picabia's practice between the years 1945 and 1953?an incredibly rich yet largely unknown period during which Picabia created paintings unlike anything he had produced before. Essays by art historian Arnauld Pierre and scholar Candace Clements shed new light on the hidden signs and symbols buried in his abstractions, the new painting techniques he employed, and the mysterious and fantastical reappearance of the "dot" in his work. Eternal Beginning is an essential resource, marking the first in-depth exploration of a crucial period in Picabia's practice.
Ce livre, publié à l'occasion de l'exposition Basquiat Engadin à Hauser & Wirth St. Moritz, explore la relation de Jean-Michel Basquiat avec la Suisse, débutée en 1982 lors de sa première exposition à Zurich. Marquant un tournant dans sa carrière, c'est en Suisse qu'il collabora avec Andy Warhol et Francesco Clemente. Avec un essai de Dr. Dieter Buchhart, l'ouvrage met en lumière une oeuvre unique, où Basquiat interprète les paysages et la culture alpins à travers son langage visuel iconique.
Chefs-doeuvre du symboliste danois Vilhelm Hammershøi, dont les intérieurs et les portraits jouissent aujourdhui dune renommée internationale. Peints simplement et dans des couleurs douces, ils fascinent les spectateurs depuis la redécouverte du peintre dans les années 1990.
Cet ouvrage en français rassemble les écrits du célèbre graveur et sculpteur basque espagnol Eduardo Chillida. Tout au long de sa carrière, celui-ci n'a cessé de remettre en question tout ce qui concernait son engagement envers l'art. Sans avoir l'intention de créer une délibération parallèle à son travail, il utilise l'écriture comme moyen de consigner sa pensée, utilisant des cahiers, des fragments de papier et des marges de dessins.
Coïncidant avec l'exposition éponyme qui se déroule simultanément à la Nietzsche-Haus, au Musée Segantini et à la galerie Hauser & Wirth de St. Moritz, Gerhard Richter : Engadin explore la relation profonde de l'artiste avec la région de l'Engadine, dans les Alpes suisses, qu'il a visitée pour la première fois à la fin années 1980. Dans un essai de Dieter Schwarz, commissaire de l'exposition, les oeuvres de l'exposition sont analysées afin d'explorer l'impact des paysages alpins sur l'oeuvre de l'artiste. Avec quatre-vingts illustrations en couleur, le livre présente des peintures, des photographies repeintes et des images d'archives, avec certains documents inédits.
Ce catalogue accompagne une exposition à la galerie Hauser & Wirth qui met en regard les travaux de Louise Bourgeois et Pablo Picasso. Cette comparaison inattendue se fonde sur l'attrait des deux artistes pour les formes archaïques et primitives, ainsi que leur exploration des figures de la fertilité et de la fécondité. Plus tard dans leur évolution artistique, tous deux se sont consacré à leur manière à une exploration de l'érotisme, de la sexualité et de l'intimité.
Ce volume fournit un compte rendu historique des expositions institutionnelles marquantes d'Eva Hesse. Les contributions des conservateurs de musée impliqués dans l'organisation de ces expositions reflètent la dimension personnelle de l'élaboration d'une exposition, de son intention et de sa réception. L'ouvrage est accompagné de nombreuses vues d'installation, d'archives, de documents éphémères liés aux expositions et d'instantanés, "Eva Hesse : Exhibitions, 1972-2022" donne vie à ces expositions.
Cet ouvrage en français regroupe une série d'entretiens avec la Suissesse Ursula Hauser, personnalité influente du monde de l'art, co-fondatrice de la galerie Hauser&Wirth en 1992 et collectionneuse à titre personnel, qui a la particularité de défendre et mettre en avant les artistes femmes.
An updated edition of the indispensable guide to the British artist Phyllida Barlow's sculptural oeuvre across 6 decades.
Phyllida Barlow: Sculpture, 1963-2023 is a comprehensive guide to Phyllida Barlow's sculptural language, charting the progression of the artist's extraordinary and influential career. Barlow's restless invented forms stretch the limits of mass, volume, and height, challenging her audience into a new relationship with the sculptural object, the gallery environment, and the world beyond.
Originally published by Fruitmarket and Hatje Cantz in 2015, this major monograph begins in the 1960s and documents six decades of Barlow's astonishing sculptures and expansive installations, including the Duveen Commission for Tate Britain (2014) and her 2015 Fruitmarket exhibition, set. It has now been expanded to include Barlow's important exhibitions in the years that followed, among them the British Pavilion for the 2017 Venice Biennale, her work for New York's High Line (2018), and her Schwitters-Prize-winning exhibition at the Sprengel Museum in Hannover (2022).
Authored by curator Frances Morris, who has made extensive additions to her original text for this updated edition, and featuring illustrations of over 130 works, Phyllida Barlow: Sculpture, 1963-2023 is the indispensable resource on the important British sculptor.
L'artiste américain arménien Arshile Gorky (vers 1904-1948) a réalisé ses premières oeuvres à maturité à New York au milieu des années 1920. L'histoire traumatisante du XXe siècle avait déjà fait de lui un survivant du génocide et un exilé. En deux décennies, Gorky a créé un vaste ensemble d'abstractions lyriques profondément personnelles et émotionnellement intenses, qui ont eu une influence considérable sur ses contemporains. Composé de plus de 80 peintures et oeuvres sur papier issues de collections publiques et privées du monde entier, cet ouvrage présente une rétrospective exhaustive du travail de l'artiste.
The print companion to Kentridge's latest film series, bringing to life the eccentric, whimsical world of the artist's mind and his studio
In his newest film series, Self-Portrait as a Coffee Pot, South African artist William Kentridge (born 1955) invites us into the whimsical, protean world of his studio (and, by extension, his mind). Kentridge experiments with every aspect of his practice: from painting and printmaking to his World War I commemorative works or his collaborative performance Waiting for the Sybil. This experiment in embodiment and phenomenological experience originally created for streaming (and is now available on MUBI) has now been reimagined as a printed publication. He reworks each episode through a selection of film stills and script extracts, this new form reinvigorating the series' investigations into the relationship between mark-making and self-fashioning.
En 1959, le critique d'art et collectionneur français Robert Lebel publie Sur Marcel Duchamp, un catalogue raisonné des oeuvres de Duchamp entre 1902 et 1958 et la première monographie publiée sur l'oeuvre du légendaire artiste, réalisée en 6 ans, en collaboration si étroite avec l'artiste qu'elle est presque considérée comme partie de son oeuvre. Le présent ouvrage constitue un nouveau fac-similé de l'édition anglaise historique de Sur Marcel Duchamp, accompagnée d'un texte racontant l'histoire du livre et de sa conception. .
Night Studio est le récit personnel de l'enfance de Musa Mayer, fille de l'artiste américain Philippe Guston. L'ouvrage raconte sa quête personnelle pour mieux comprendre son père, basée sur des lettres et des notes de l'artiste et des entretiens avec ses proches. Publiée pour la première fois avec un succès critique en 1988, cette nouvelle édition richement illustrée comprend une nouvelle postface de Musa Mayer.
Inside Phyllida Barlow's abundant archive of drawings, from her days as an art student to her later works
Reproducing over 200 works on paper spanning 50 years, from 1963 to 2013, this publication presents a crucial part of British sculptor Phyllida Barlow's (1944-2023) oeuvre. Although Barlow destroyed many of her sculptures during her career, she amassed a prolific archive of drawings dating back to the 1960s, when she was a student at Chelsea College of Art in London. While these works on paper range in style, they demonstrate a consistency in color and form and in their exploration of ideas related to structures, architectural interiors and urban surroundings. In an interview with Hans Ulrich Obrist, Barlow provides insight into these drawings that were not preparations but, rather, daily exercises done before, during and after the creation of her sculptures. Originally published in 2014, this new edition includes an updated biography chronicling Barlow's final years.
The artist's biography as told by Metzger himself, a leader of the Auto-Destructive Art and Art Strike movements.
A visionary artist and radical thinker, Gustav Metzger asked provocative questions about the role of the artist and of conventional forms of artmaking and display. In this richly illustrated book, Metzger tells the story of his life and work in a series of interviews with the curator Hans Ulrich Obrist. He recounts his Orthodox Jewish childhood in 1930s Nuremberg and his arrival in England a
Offering an inside look at Jack Whitten's studio process in an accessible, readable format
Born in Bessemer, Alabama, Jack Whitten (1939-2018) developed a revolutionary approach to painting as a medium that arguably reconfigured the discipline as a whole. His practice was defined by an intense, ceaseless experimentation with process and technique, drawing in unconventional tools and materials to create a profoundly original body of work. Though Whitten initially aligned with the New York circle of Abstract Expressionists active in the 1960s, he gradually distanced his work from the movement's aesthetic philosophy and formal concerns, focusing more intensely on the experimental aspects of process and technique that came to define his practice, arriving at a nuanced language of painting that hovers between mechanical automation and deeply personal expression. Throughout his career, Whitten concerned himself with the materials of painting and the relationship of artworks to their inspirations. This richly illustrated guide to the artist's studio practice reveals the development of Whitten's pioneering work and the behind-the-scenes of his process.
A window into Phyllida Barlow's studio practice offering insights into her biography, key works and exhibitions Over six decades, British artist Phyllida Barlow (19442023) developed a transformative approach to sculpture, creating restless, invented forms that placed audiences in new relationships with the object, the gallery environment and the world beyond. Though she made art steadily throughout her life, it was only after Barlow retired from teaching that her work came into greater public prominence. Barlow employed a distinctive vocabulary of inexpensive materials such as plywood, cardboard, plaster, cement, fabric and paint. Drawing on memories of familiar objects from her surroundings, she worked in an anti-monumental tradition characterized by her physical experience of handling materials, which she transformed through processes of layering, accumulation and juxtaposition. Her large-scale sculptural objects are frequently arranged in complex installations in which mass and volume seem to be at odds with the space around them. In this guide to Barlows studio practice, curator Frances Morris explores the development of Barlows work and the making, unmaking and remaking, chance, mishaps and changes of mind through which the artist produced her pioneering works of art.
Catalogue publié à l'occasion de l'exposition dédiée à Takesada Matsutani, artiste emblematique du mouvement Gutai, qui se déroulera au Centre Pompidou du 26 juin prochain au 23 septembre 2019
Largement associée à une résurgence de cet espace critique de la diaspora, Gallagher a développé son propre genre de peinture d'histoire qui nous interroge sur nos géographies. Le livre accompagne l'exposition solo de Gallagher à Hauser & Wirth Los Angeles.
Comportant un groupe de nouvelles oeuvres de la série Numbers and Trees de l'artiste de Los Angeles Charles Gaines (né en 1944), ce volume prolonge le projet Gridworks de Gaines depuis des décennies avec des images de palmiers du désert de Californie reportées dans sa grille numérotée lumineuse, signature de l'artiste.
Pionnier de l'art contemporain en Chine, Zeng Fanzhi (né en 1964) est célébré dans le monde entier pour son style et ses sujets en constante évolution. « Ce ne sont pas de vrais paysages. Il s'agit d'une expérience de miao wu [révélation merveilleuse] », a-t-il écrit. « Miao wu constitue un voyage de découverte agité. » Rassemblant 10 oeuvres sur toile exécutées au cours des dernières années, le livre documente les dernières avancées de Zeng en matière de pinceau et de couleur, célébrant son approche intuitive de la peinture. Le jaune vif, le bleu cyan et le vermillon sont définis comme les couleurs dominantes qui définissent chaque peinture, tandis que les variations tonales restent nuancées car le coup de pinceau noir d'encre signature de Zeng crée un réseau dynamique de motifs.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme à Hauser & Wirth New York, 'Soto: Vibrations 1950-1960' se concentre sur la première décennie de la vie de Soto à Paris: une période décisive de sa pratique marquant le passage de l'abstraction géométrique à l'art optique et finalement cinétique. Le catalogue abondamment illustré retrace ces développements depuis ses premières compositions dynamiques géométriques, jusqu'au travail en couches de plexiglas de 1954-1958, et enfin à son expérimentation avec des formes de fil sur des fonds peints à la fin des années 1950. Commissaire d'exposition Jean-Paul Ameline.
